...cualquier día y a cualquier hora...
...cualquier día y a cualquier hora...(es muy importante)
3 septiembre 2010
29 agosto 2010
HOY ES VERDE
Rojo y Verde bajo el quemado cielo (necesito mejorar/a mí me gusta así) de los Jardines del Monasterio
Y al entrar aquí en Bloguería me encuentro en equilibrio, entre la pereza, la tristeza, la apetencia y la esperanza.
Según ha transcurrido el día ha crecido tanto lo verde que ha potenciado aún más el rojo de mi sangre.
Hablando de verde y de rojo, otro domingo, hace unos meses y a iniciativa de mi marido, visitamos el Monasterio de Santa María de las Cuevas, conocido popularmente como el Monasterio de la Cartuja (corazón del recinto de la Exposición del 92, a orillas del Guadalquivir).
Mis domingos son para estar en casa, sólo salgo si el plan me resulta apetecible, como una visita a ese sitio al que sospecho que a nadie se le antoja ir un día como éste…y allí de nuevo me sentí como en casa. En casa porque mientras paseaba por su histórico jardín, uno de tantos que tiene la ciudad en la que vivo, con raigones enterrados en un pasado remoto y suntuoso, me invadió esa sensación que todos tenemos alguna vez de haber estado antes en ese preciso lugar.
Entrada/Salida del Monasterio
Me gustó el percatarme de que el monumento y la naturaleza se hacen indistinguibles formando un todo. Es una de las cosas a agradecer a la Exposición del 92 que permitió restaurar este monasterio cartujo fundado en el S.XV, abandonado obligatoriamente por los monjes de la Orden de San Bruno en 1835, convertido en fábrica de porcelana y loza en 1838 por Charles Pickman y de nuevo abandonado en 1984.
Hubo una vez en la que este monasterio fue la prueba más clara, cultural, artística y socialmente hablando de la ciudad de Sevilla y lo dejaron arruinarse.
Al parecer el suelo arcilloso en el que está levantado el grupo, propició el que se labraran cuevas para obtener la materia para los famosos alfares de Triana y construir algunos hornos para las vasijas de barro cocido. En uno de ellos, cuenta la leyenda, se encontró la imagen de una virgen que escondieron para protegerla durante la época musulmana y de ahí el nombre del monasterio. Hay una en la entrada que si fuera ella no sería leyenda.
“La Cartuja poseía extensas fincas con trigales, viñas, olivares, dehesas y pinares, una excelente ganadería, molinos de pan y aceite, e importantes propiedades rústicas – casas, almacenes, bodegas- en Sevilla.
En el interior del convento había magníficas huertas con limoneros, naranjos, granados, ciruelos, almendros, cirios, perales, vides y hortalizas de la tierra y de procedencia americana. Existían cultivos de hierbas aromáticas con las que se elaboraban bálsamos medicinales y con las que se condimentaba la excelente comida cartujana. También poseía un gallinero y una galapaguera en la que, en una de las albercas del convento, se criaban galápagos para preparar sopa de tortuga. Además la Cartuja disfrutaba del privilegio de poner corral durante el día para atajar la pesca, lo que le permitía obtener el mejor y más fresco pescado. Por si ello fuera poco, se realizaba la cría del caballo andaluz, conservando la pureza de la raza.
Grandes hornos de Botella, las chimeneas símbolos del progreso en el XIX
Si añadimos a sus agradables huertos y jardines, y a su excelente bodega y gastronomía, la gran hospitalidad de los cartujos y el singular patrimonio cultural del monasterio – con obras de Martínez Montañés, Zurbarán, Durero, Alonso Cano, Alejo Fernández y otros muchos- no es de extrañar que hasta el monasterio llegaran numerosos viajeros, humanistas y reyes”. (Jardines y Parques de Sevilla – Diario de Sevilla).
La carne estaba prohibida para los monjes pero tenían dos cocinas y remediaron gran parte de la hambruna en Sevilla, a la vez que ayudaron al mantenimiento de los hospitales. En 1810 – Guerra de la Independencia- llegaron los franceses, expoliaron y destrozaron, los cartujos tuvieron que marcharse.
Unos años más tarde Pickman llegado de Liverpool fundó aquí una fábrica que a la manera inglesa fabricaba una loza de calidad que se convirtió al poco tiempo en favorita de las clases pudientes, hasta que en la década de los 70 le expropiaron el área monumental y se trasladó a las afueras.
Volviendo a nuestra visita, el exterior lo disfruté realmente. Un tranquilo paseo que se me ha quedado grabado a lo largo de un precioso camino flanqueado por gigantes cipreses, en el que andaba soñando y me olvidé de fotografiar.
La sorpresa de encontrar entre el verde y las flores, pequeñas construcciones de cuentos de hadas, o la estatua a Colón, que aseguran se hospedó aquí en vida y cuyos restos descansaron también alguna vez aquí.
Maravillada ante el hoy frondosísimo ombú o árbol de la bella sombra del que sí traigo foto y que la tradición dice plantó Hernando Colón, hijo del anterior.
En el interior, no pudimos acceder a algunas zonas que estaban cerradas al público. Sí recorrimos el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo que el monasterio acoge.
En la colección permanente, más de la mitad es obra gráfica, y me quedó la sensación de que en el nacimiento del centro se hizo mejor con muchas adquisiciones de artistas nacionales e internacionales. Pero la Junta de Andalucía después ha ceñido casi en su totalidad sus compras a jóvenes autores andaluces transvanguardistas, y creo que está desaprovechada, o será que aún no distingo cuando es arte de denuncia, tocamiento de lo hasta hoy supuestamente prohibido o simplemente chabacanería que levanta el estómago.
No es por cerrarme ni hacer crítica destructiva al respecto, amo y respeto la expresión artística y comprendo que es necesario el arte revolucionario que muestre leyes violadas con el objetivo de despabilarnos y que nos preguntemos qué es esto y rompamos moldes, hasta ahí bien, y de hecho encontré algunas obras que a mi entender impactaban efectivamente, pero me quedé con la sensación en esta muestra que en nombre de una supuesta y pretendida transgresión se reían en nuestra cara con un mal hacer y peor gusto gratuito.
El Árbol de la Bella Sombra plantado por Hernando Colón
En definitiva, que yo separaba efectivamente algunas obras de otras pero…estaría llevando a cabo el mismo trabajo que el de la Junta de Andalucía, jejé.
Disfruté más la exposición temporal y por supuesto también contemporánea que lucía en ese momento, sobre los Esquizos de Madrid (también autores mayoritariamente andaluces), que durante el último tramo de la dictadura franquista y los inicios de la democracia apostaron por la pintura figurativa, cuando se llevaba el arte conceptual.
Y allí estaban mis hijos que me sorprendieron diciendo que tenían un artista favorito, nacido en Sevilla, Manolo Quejido (y no mentían, adivinaban cuáles eran sus cuadros al llegar a cada sala).
Particularmente me gustó la obra del tarifeño Guillermo Pérez Villalta
En fin, el día fue muy bonito, a ratos triste, y a otros esperanzador, así es la vida.
En el Monasterio de Santa María de las Cuevas se han recuperado especies del jardín, se ha instalado un centro de arte y el rectorado de la Universidad Internacional de Andalucia pero como hoy es verde os he dejado algunas fotos verdes, y os recomiendo un paseo si caéis por aquí.
De cuento de hadas por fuera
De cuento de hadas por dentro
Monasterio de Santa María de las Cuevas
22 agosto 2010
HOY ES NARANJA
Mujer en naranja y verde por Jorge Rosensvaig
Mi sensible imaginación se ha disparado y caigo en la cuenta de que mi casa…¡Es naranja!
Vivo en una casa naranja de dos plantas rectangulares, flanqueada la superior por dos grandes y alocadas alas.
En la inferior destaca un comunitario recibidor anaranjado y bien abierto al exterior con fachada de cristal azafrán. De bermejo hormigón está pavimentado el suelo de este hall pero rodeado de robustas escaleras que facilitan el acceso a esos espacios privados que satisfacen los deseos de volar.
Mi casa naranja no está en Londres ni en Amsterdam. Las hubo similares allí pero la mía está aquí y ahora.
15 agosto 2010
HOY ES BLANCO
Adivina, adivinanza…
A subasta
En el hotel de los Corazones Rotos, no seas cruel como sabueso sino ámame tiernamente que nunca será demasiado. Entre la agitación de todos, juega conmigo que en esta cárcel de rocas no seré terca por esta noche. Ahora y siempre habrá una boba como yo con una gran sección de amor adherida a ti.
Ahora o nunca. ¿Esta noche estás solo, corazón frondoso? Me rindo con el último nombre que te incendió y puesto que no pude evitar enamorarme, te deseo buena suerte encanto. No soy tú, por lo que devuelvo al remitente, al demonio disfrazado que lloró en el sagrario, en el aislamiento, la dudosa mente que fue la maravilla de un fogoso amor calle abajo.
13 agosto 2010
AQUÉL QUE MÁS SABE MÁS SE LAMENTA DE SU TIEMPO PERDIDO
Un poema en tres partes de treinta y tres cantos que llevan a la Santísima Trinidad, una dedicación personal de más de tres meses para la lectura, tres veces difícil y tríplemente amena, de sus más de trescientas páginas.
Dante
LA DIVINA COMEDIA de Dante Alighieri
La divina comedia es la obra cumbre de toda la Edad Media y una de las creaciones señeras de la poesía universal.
Este vasto poema en tres partes presenta alegóricamente el itinerario del alma, desde las torturas del Infierno al Purgatorio y a las cumbres del Paraíso. La marcha de Dante por el Más Allá empieza la noche del 7 de Abril de 1300, cuando el poeta tenía treinta y cinco años, edad que considera “la mitad del camino de nuestra vida”. Virgilio símbolo de la cultura antigua, en la que se había nutrido Dante Alighieri, y Beatriz, símbolo de la Revelación cristiana, guían sucesivamente al poeta en su misterioso viaje. Es una sublime summa poética del saber medieval y un maravilloso crisol de elementos teológicos, científicos y líricos.
Los martirios del Infierno, tal cual son descritos por el autor, independientemente de que creas o no en tan terrorífico lugar, me pusieron los pelos de punta y más de una noche me hicieron casi imposible conciliar el sueño, aún teniendo la conciencia digamos, tranquila, al verme envuelta en ese mundo horripilante que no admite salvación.
Ahora comprendo el por qué de la expresión “espectáculo dantesco” y también el motivo por el que las Bellas Artes se inspiraron durante mucho tiempo en las alusiones del poeta a los diferentes vicios. Por extensión, imagino la impresión que causó esta obra en los pocos privilegiados que tenían al alcance las letras en aquella época tan oscura.
Este vehemente autor se ensaña con personajes ya sean históricos o contemporáneos suyos y no deja títere con cabeza, con el fin de conocer el mal a través de la Razón, personificada en su maestro y primer guía Virgilio.
Su ilustre acompañante lo sigue siendo a través del Purgatorio, en el que encuentra a todo tipo de esperanzados arrepentidos que depuran sus perdonables tropiezos en situaciones no menos espeluznantes, aunque ya en escenarios descritos de gran belleza.
Pero Virgilio no puede entrar en el Paraíso, al estar eternamente condenado al limbo, por ser poeta de obras paganas, y sólo entrever la fe que él no consiguió, aunque lograse convertir a otros.
Dante deja atrás a la Razón, para encontrar a su segunda acompañante, la Gracia, encarnada en el personaje de la deslumbrante Beatriz, que le llevará a la visión de la divinidad.
Ya nos previene el propio autor en la misma obra que para entenderla hay que poseer amplios conocimientos de los temas que tratará. La mayoría de las innumerables notas que por necesidad acompañan al texto, lejos de aclararme a veces (muchas veces, casi todas las veces) me confundían, al sacarme de la trama, para describir al personaje real nombrado por Dante.
Lo que tengo claro en esta segunda lectura, aparte de reafirmar que me impresiona muy agradablemente, es que el verdadero dios de la historia es el autor, que sin contemplaciones manda según amistades, enemistades o ideología, a unos u otros a las diferentes gradas e hila su obra a través de su increíble pero casi palpable paseo por los diferentes círculos.
En fin, adivino que esta comedia siempre será un reto y no desearé más de los que ya tengo, por lo que la próxima vez que me atreva a leerla sólo será para disfrutarla por tercera vez, como ahora estoy disfrutando esta canción…
El ejemplar en mis manos:
DANTE ALIGHIERI
LA DIVINA COMEDIA
Con un ensayo a modo de prólogo por Stefan Zweig
Versión castellana de Enrique de Montalbán, Doctor en Letras
Editorial Juventud
8 agosto 2010
HOY ES ROSA
Rosa
Hoy es tranquilo.
Un domingo fruto de una enérgica semana llena de paz que dejó atrás la añoranza y… (nunca me ha gustado el teléfono)… sí me gustaría conservar esta calma. Perdona, me llamaste y no te contesté amablemente, quizá necesite un teléfono rosa.
Sin pensarlo he repetido el rosa en mi vestido, nunca ha sido mi color favorito, sí el de mi hija. Ella dice que en su vida todo es rosa, hasta su piel y su cabello son rosas.
Esto de los colores y su significado siempre me ha resultado interesante, aunque creo que nunca lo he tenido en cuenta, al menos conscientemente.
Me ha llamado la atención este video encontrado en la web y pensar en cuántas posibilidades tiene el color rosa…
http://www.dailymotion.com/videox9pv3c
Bueno y la canción…
Es el tango más viejo del mundo
Éste que la cabezas rubias
Balbucean como una ronda
Aprendiendo su latín
Es el tango del colegio
que coge los sueños en la trampa
Y del cuál es sacrilegio
No salir inteligente
Es el tango de los buenos curas
Que vigilan con ojo severo
A los Julio y los Próspero
Que serán la Francia de mañana
Rosa rosa rosam
Rosae rosae rosa
Rosae rosae rosas
Rosarum rosis rosis.
Es el tango de los fuertes en tema
Granujientos hasta el extremo
Y que recubren de lana
Su corazón que ya está frío
Es el tango de los fuertes en nada
Que declinan de tristeza
Y que serán farmacéuticos
Porque papá no lo era
Es el tiempo en que yo era el último
Porque a ese tango rosa rosae
Me inclinaba a preferir
Ya a mi prima Rosa
Rosa rosa rosam
Rosae rosae rosa
Rosae rosae rosas
Rosarum rosis rosis.
Es el tango de los paseos
Dos solos bajo las arcadas
Cercadas de cuervos y de alcaldes
Que nos protegían de los porqué
Es el tango de la lluvia sobre el patio
El espejo de un charco sin amor
Que me hizo comprender un día
Que yo no sería Vasco de Gama
Pero es el tango del tiempo bendito
En que por un beso pequeñito
En el claro de un jueves
Se ha sonrosado mi prima Rosa
Rosa rosa rosam
Rosae rosae rosa
Rosae rosae rosas
Rosarum rosis rosis.
Es el tango del tiempo de los ceros
Yo tenía tantos delgados y gordos
Que hacía túneles para Charlot
Aureolas para San Francisco
Era el tango de las recompensas
Que iban a quienes tienen la suerte
De aprender desde su infancia
Todo lo que no les servirá
Pero es el tango del que se lamenta
Una vez que el tiempo se compra
Y que estúpido se da cuenta
De que hay espinas en las Rosa
Rosa rosa rosam
Rosae rosae rosa
Rosae rosae rosas
Rosarum rosis rosis.
22 julio 2010
MUSEO DEL LOUVRE (VI)
Hola amigos. Tras una pausa, en parte debida a las vacaciones veraniegas, me alegra reencontrarme con vosotros y os invito a continuar acompañándome en mis deseadas andanzas por el Louvre, poniéndole la zancadilla al calor.
Y me hallo a comienzos del S. XVII en pintura con sus nuevos conceptos.
El llamado Naturalismo, alcanzó gran desarrollo en el Barroco. Su principal característica, en este caso en los cuadros, es la forma de pintar la realidad, podríamos decir, sin clemencia, también de forma tenebrosa y este estilo estuvo presente además en los últimos años de la Contrarreforma Católica.
Caravaggio - La Muerte de la Virgen
Una buena muestra que lo refleja la tenemos en Caravaggio, sobretodo en su obra La Muerte de la Virgen, de la que ya quedan excluídos los códigos de belleza anteriores.
Este gigantesco lienzo naturalista (369×245 cm) fue ejecutado por este artista milanés en 1606 para la iglesia romana de Santa Maria della Scala.
Su instalación dio lugar a agrias controversias, puesto que los carmelitas a quienes pertenece esta iglesia, se escandalizaron ante la crudeza con que el pintor había tratado a los personajes que componen la escena, en especial el de la Virgen, para el que “malas lenguas” aseguraban había servido de modelo el cuerpo de una prostituta ahogada en el Tíber.
A causa de ello, el cuadro fue retirado de la capilla, y tras varios coleccionistas cayó en manos de Luis XIV de Francia y de ellas pasó al Louvre.
Un majestuoso tema evangélico que fue despojado de solemnidad por Caravaggio pincel en mano. Los apóstoles y la Virgen eran personajes de andar por casa, tomados del natural en el estudio del artista, siguiendo un procedimiento habitual en él, usaba unas “linternas” en la penumbra para conseguir ese efecto lúgubre. Puede que pretendiese con ello acentuar la emoción que en un grupo de humanos ha producido la muerte de un ser querido, sin las exageraciones expresivas de corrientes anteriores.
Este concepto, demasiado avanzado para el momento en que halló su manifestación pictórica, concuerda con el de artistas de la Reforma Protestante, entre ellos Rembrandt, quien pensaba también que estas cuestiones debían quedar desposeídas de todo lastre de irrealidad.
El hecho de la muerte como la conocemos está iluminado, es algo indivisible de la humanidad y muy real. La corona de la Virgen sin embargo se muestra relegada a la oscuridad.
Murillo - Niño Mendigo
Y ahora topo con el conocido sevillano pintor del Barroco, Murillo, y lo traigo como embajador del Realismo español, por esta obra en concreto.
De su cuadro El Niño Mendigo se ha dicho que adopta los principios del tenebrismo, influenciado por Caravaggio, por su iluminación lateral violenta que deja amplios espacios en la oscuridad. También que la única figura, sentada en el suelo y que parece en actitud de desparasitarse, ha sido tomada del natural y que su modelo es sin duda un pillete sevillano. Pero sobretodo se ha dicho que su vestido hecho jirones y su aspecto sucio, no consiguen sin embargo producir en el espectador sentimiento de amargura. Siempre se catalogó a Murillo como el realista dulcificador de la realidad, el que la recreaba de una forma simpática.
Pero precisamente he adjuntado esta obra, porque al contemplarla consiguió que me compadeciese de este pobre niño, que a mis ojos realmente aparece bello, dulce y sereno, pero también en soledad y seguramente imagino que fue un representante de muchos otros que como a él les tocó vivir la amarga realidad sevillana en la miseria de aquélla época. Una de las maravillosas cualidades de la pintura es que despierta tantas emociones y tiene tantas interpretaciones como individuos la miramos.
En el Barroco surge como tema nuevo el bodegón o naturaleza muerta y el de esta obra me parece impresionante, una pena que no se aprecie en la imagen tomada de la red, sí veo en la foto en mis manos, que el cesto de esparto en concreto parece ”fotografiado”.
Y hablando de bodegones me paro boquiabierta ante este Buey en Canal pintado por Rembrandt, una tabla bastante cruda y real.
El modelo buscado por el artista ya está preparado y limpio de entrañas, que me hace agradecer la casi total ausencia de sangre, pero no sé si por la estancia oscura o el tema en sí, me ha encantado el detalle que pone el contraste de esa chica que aparece curiosa en la sombra. La vida observando la muerte.
Rembrandt - Buey en Canal
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11 junio 2010
PERDIDAMENTE ENAMORADA
Inseparables...
Me di cuenta de que la mejor parte del amor
Es la rebanada más delgada
Y aunque ya no cuento mucho
No lo estoy dejando ir
Creo que todavía hay en qué creer
Así que levanta tus ojos
Y si sientes que puedes
Alcanzar una estrella
Te mostraré un plan
Lo he calculado
Lo que necesitaba era a
Alguien que me enseñara
Sabes que no puedes engañarme
Te he amado durante mucho tiempo
Empezó facilmente
Y ahora tú deseas continuar
Estaba perdidamente enamorada
Y no sé más
¿Estaba pensando en voz alta
Y caí fuera de alcance?
Pero estoy en el camino de vuelta e
Impaciente por ser lo que tú deseaste
Hoy no es mi cumpleaños, ¡ohhhhhhhhhhh qué pena!, aunque como Alicia, puedo celebrar un no-cumpleaños.
¿Será el de Nynaeve?, iré a ver.
Es viernes, como siempre, en el Club de las Canciones, y algunas de las buenas voces del mundo, también cumplen años hoy.
Estaréis pensando que estoy desvariando una vez más, y no os equivocáis, pero es que me he llevado una agradable sorpresa, aparte del aniversario de Nyna si así fuera, ya he celebrado el del componente rubio del dúo Air Supply, Graham Russell escuchando su canción LOST IN LOVE.
No me digáis que no es una bella canción, y una voz estupenda la del vocalista, Russell Hitchcock (que siempre pensé era una mujer), para que lo comprobéis (que es un vocalista virtuoso digo) os dejo el directo que siempre cuando saben cantar es mejor, subid el volumen y no os conforméis con la que abre mi entrada…
Y aparte de a Nyna, la dedico a todos los perdidamente enamorados, sea o no su cumpleaños…
Pertenece al quinto álbum (1980) de esta banda de rock suave australiana, que nunca recibió mucha atención fuera de su país, pero el single Lost in Love fue un éxito masivo en listas internacionales.
¡Feliz Cumpleaños! y ¡Qué cumplas los que quieras!
Puedes visitar a otros miembros de este club
10 junio 2010
MRS HENDERSON PRESENTA…
EL WINDMILL
Stephen Frears (Director)
El primer actor de teatro del que se tiene constancia fue un griego llamado Tespis, que en Atenas y enmascarado, actuaba ya como el dios Dioniso, allá por el 540 a.C.
Resulta que hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba de mal gusto que una mujer actuase en un escenario. Así en la época de Shakespeare los papeles femeninos eran interpretados por muchachos jóvenes.
Me gustaría haber visto una de esas obras clásicas. Presenciar cómo un muchacho actor interpretaba a una mujer intentando evitar sus masculinos ademanes, haciendo gala de una voz falsa, con un vestuario que en él resultaría ridículo, tocado con un moño y pintarrajeada su cara. Me pregunto si el público veía a una mujer real o a su parodia, si a los espectadores les llegaba el personaje. En fin, tendrían que ser verdaderos y buenos actores para evitar que se fijasen en todo lo accesorio y lograr emocionar.
(Aunque ahora que lo pienso, me gustaría citar aquí y por lo anterior, la magnífica interpretación y caracterización de la actriz Blanca Portillo en el papel del inquisidor Bocanegra en la película El Capitán Alatriste. Son merecedoras de ser vistas, ella y la película…Viggo Mortensen también es para verlo…)
Volviendo a centrarme en el tema, innumerables obras de teatro han sido llevadas al cine, y al revés, algunas películas han sido adaptadas para el teatro, entre ellas, Todo sobre mi madre de Almodóvar que fue estrenada en el mítico Old Vic de Londres como All about my mother.
Pero para Cine o Sardina traigo una película del 2005 que me agradó bastante, basada en hechos reales, en la que una viuda londinense compra un teatro. Se trata de Mrs. Henderson presenta…
Para empezar con ella, os dejo un vídeo que he encontrado y que contiene imágenes reales del teatro y sus artistas:
Judi Dench (Laura Henderson)
Me resultó fascinante el personaje de la arrogante y liberal Laura Henderson, que sin negocio conocido, tras el funeral de su marido detiene su Rolls ante el Windmill Theatre y rápida y decididamente se lo queda. Con la misma determinación, con la que va en busca del mayor experto en asuntos teatrales del momento, Vivian Van Damm, y no lo deja hasta conseguir contratarlo para dirigir su teatro.
La película transcurre muy amena con su humor tan “british”, hasta el bombardeo alemán que inevitablemente hace aparecer el drama. Casi todo el mérito se debe al enfoque de la relación entre ambos protagonistas, quienes aunque en el fondo se aprecian sinceramente, están constantemente enfrascados en una irónica lucha dialéctica y personal, rematada por la ocurrencia de la Sra. Henderson de incluir chicas desnudas en su espectáculo para salvarlo de la ruina. Ahora bien y en nombre del arte, inmóviles como cuadros, dice ella, para esquivar el cierre de la censura de la puritana Londres de los 30s.
Las canciones además son espléndidas.
Algunos datos destacables:
Su director es el talentoso Stephen Frears, que en sus comienzos se sintió más atraído por el teatro que por el cine y que igual de bien lo hace en esta especie de mezcla entre drama cómico y revista musical, que en Las Amistades Peligrosas o en Café Irlandés.
Laura Henderson es la actriz, también británica, Judi Dench, que seguramente conoceréis por sus apariciones en Orgullo y Prejuicio, Chocolat o algunas de la saga Bond.
Está condecorada por la reina Isabel II del Reino Unido como “Dame” que equivale al “Sir” masculino. Su nombre está unido al teatro, perteneció a la Royal Shakespeare Company y logró su mayor éxito al subirse a las tablas para ser Sally Bowles en Cabaret, papel que hizo célebre Liza Minnelli en el cine.
James Ivory le asignaría su primer papel importante en el mundo del cine: el de la escritora que traicionaba los secretos que le confiaba una amiga en Una habitación con vistas. Y le bastaron sólo ocho minutos en pantalla en Shakespeare in love, para obtener el Oscar.
Vivian Van Damm (Bob Hoskins)
Vivian Van Damm es el actor inglés Bob Hoskins que también comenzó su carrera en el teatro y ha dirigido varias películas.
Según la wiki, fue criticado por querer ser un reemplazo de última hora en la película Los Intocables de Elliot Ness si la estrella Robert De Niro no hubiese decidido interpretar a Al Capone. Cuando De Niro decidió que sí formaría parte, el director Brian De Palma le envió un cheque a Hoskins por $200,000 USD con una nota de agradecimiento, que incitó a Hoskins a llamar a De Palma y preguntarle si había más películas donde no quisiera que él estuviese.
La primera aparición de Hoskins en las audiencias estadounidenses fue en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Su acento americano convencía tanto, que muchos críticos de cine que antes no sabían de él, simplemente asumían que era en realidad un actor estadounidense.
Bueno, la película verdaderamente os la recomiendo.
Para terminar, he de reconocer que voy muchas más veces al cine que al teatro y siendo el teatro el origen del cine, hay quien opina que éste podría acabar con aquél, en nuestra era de fría tecnología, en nuestro mundo tan moderno. Pero no son iguales, mientras el cine hace productos terminados para llegar a la gente, el teatro es siempre nuevo porque cada compañía interpretará y dará vida a la misma obra de una forma distinta cada vez.
Más claro y con mayor conocimiento de causa, lo dice el director de cine cubano Juan Carlos Cremata:
“La magia teatral es imposible de apresar por una cámara. La cámara puede hacer repetir una toma 20 veces, pero quizás la perfecta era la 21. El teatro da esa posibilidad. Cada noche, el actor puede hacer lo mismo, pero de manera diferente”.
7 junio 2010
CHITLER Y QUE EL DINERO CIRCULE
CHITLER
QUE EL DINERO CIRCULE
Circulen
Es agosto en una pequeña ciudad de costa del sol, en plena temporada; cae una lluvia torrencial y hace varios días que la ciudad parece desierta. Todos tienen deudas y viven a base de créditos. Por fortuna, llega un ruso forrado y entra en un pequeño hotel con encanto. Pide una habitación. Pone un billete de 100€ en la mesa del recepcionista y se va a ver las habitaciones.
El jefe del hotel agarra el billete y sale corriendo a pagar sus deudas con el carnicero. Éste coge el billete y corre a pagar su deuda con el criador de cerdos. A su turno éste se da prisa a pagar lo que le debe al proveedor de pienso para animales.
El del pienso coge el billete al vuelo y corre a liquidar su deuda con la prostituta a la que hace tiempo que no paga. En tiempos de crisis, hasta ella ofrece servicios a crédito. La prostituta coge el billete y lo deja en la mesa del recepcionista del pequeño hotel con encanto donde había
traído a sus clientes las últimas veces y que todavía no había pagado. En este momento baja el ruso, que acaba de echar un vistazo a las habitaciones, dice que no le convence ninguna, coge el billete y se va.
¡Nadie ha ganado un duro, pero ahora toda la ciudad vive sin deudas y mira el futuro con confianza!
Gales